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Margot Molina

SALUSTIANO
El deber me retiene en esta isla

La obra de Salustiano (Villaverde del Río, Sevilla, 1965) forma parte de la corriente actual que contribuye a la renovación de la representación naturalista de la figura, sirviendo de estímulo a la complejidad de la propia creación artística. Y lo hace, como cualquier otra expresión, asumiendo su condición de bisagra entre lo ya visto y lo nunca visto, en la medida en que toda creación debe contener la potencia de lo desconocido. Pero como toda creación convincente, debe demostrarlo, aunque sea infinitesimalmente, lo que no es poco dada la vastedad del tiempo, la historia y la genialidad artísticas. En este sentido, Salustiano, que participa de la gran tradición española de la pintura figurativa, y en concreto de la Sevillana, supera sin dudarlo toda tentativa externa que quiera fijar su creación al mero realismo. Igualmente, desdeña cualquier lectura posmoderna de su obra como si se tratara de una ironía del clasicismo, al que no renuncia, o por lo menos a algunos de sus valores irreductibles, uno de los cuales, dicho con sus propias palabras, convincentes e irónicas, “es que un cuadro es un cuadro, no nuestro diván de psiquiatría”. Esta breve y precisa acotación da una clave del hacer y el pensar del pintor andaluz, fundamentados en una disciplina por la que placer y dolor se dan la mano; una disciplina que convierte la superficie pictórica en el espacio de una creación lenta, metódica y depurada que le lleva a armarse de paciencia y le sume en una profunda tensión, obligándole al desarrollo de una técnica extraordinariamente exigente, puesto que es consciente de que lo que va a representar tiene muy difícil corrección. La consecuencia de una imagen hecha de una pieza, compacta, que sugiere que detrás ha habido, hablando en términos analógicos, un proceso alquímico puro. Tal imagen debería llevar al observador de estos cuadros a tener una doble experiencia, estética y espiritual, de primer orden, justamente porque ambas son inseparables y su relación íntima y profunda. De hecho, su semejanza es gemela: la pincelada minuciosa, el dibujo exquisito, el paciente tratamiento del color –y esa capacidad suya para enfriarlo-, los cientos de veladuras tienen su equivalencia en unas presencias que irradian quietud y beatitud, sostenidas en la dureza del o calmo, y que componen una escena de profunda ascesis que acaso sirva para poner en comunicación, de nuevo, al hombre, no sabemos si con algún dios desconocido, pero sí consigo mismo. Salustiano, en fin, logra con absoluta solvencia reconstruir con su refinamiento pictórico una hermosa poética del ensimismamiento, la meditación y la plenitud.

 

 

Entrevista | Carolina Lara

Salustiano: Emoción al rojo vivo

Bella, perturbadora y profunda. Así es la pintura de este español que circula en galerías y ferias del mundo, dando un giro a la tradición del retrato con imágenes en rojo donde fusiona rigurosidad renacentista y una perfección propia del canon publicitario.

Con el rostro de una niña china que conoció en un orfanato, Salustiano participa en “The missing peace, artist consider the Dalai Lama”, exposición internacional que itinera por el mundo con las obras de 88 artistas en apoyo al pueblo tibetano.  Allí la actriz Sharon Stone cayó subyugada ante la pintura del exitoso autor  y —al no poder adquirir el cuadro— pidió por lo menos ser retratada.

En entrevista exclusiva con “Arte Al Límite”, Salustiano rememora sus inicios y cuenta cómo su propuesta ligada a la neofiguración ha logrado cautivar a diversidad de espectadores tanto en Europa como en Asia y Estados Unidos. Una exposición en Chile podría traerlo por primera vez a Latinoamérica.

¿Es posible la belleza en tiempos de apología a la transgresión y de un arte crítico? Salustiano cree que sí.

Con una pintura que ha dado un giro al género del retrato, su aproximación a la figura humana es con un rigor académico digno de pintor renacentista, acercándose fielmente a sus modelos gracias a un detenido estudio de la forma, a la pulcritud del dibujo y de la pincelada. Sin embargo, los personajes están descontextualizados. Los torsos y rostros solitarios habitan un espacio donde no hay más borde que la tela recortada como cuadro o círculo, siendo el fondo un vacío monocromo y total. Los cuerpos aparecen como en un sueño donde todo se torna rojo.

Rojo: éste es el tono que gusta dar a las imágenes que revisten una belleza propia del canon publicitario, reflejando en su perfección una profunda y perpleja paz. Quién diría que varios de sus modelos han sido encontrados en la calle: “Son personas no necesariamente bellas a las que propongo posar para un cuadro, porque presiento que pueden ayudarme a transmitir una determinada emoción. Me interesan rostros atemporales, serenos, con una expresión generosa en la boca y una mirada transparente. Los ojos  son muy importantes. Son contenedores emocionales. Quiero que todo el conjunto, al final, tenga una apariencia de eternidad”.

El trabajo de este artista comienza en el momento que toma las fotos al modelo. Aunque no suele conversar mucho con ellos, reconoce que siempre se establece una especial complicidad: “Te van revelando cosas y descubres que no solo es un rostro sereno o bello sino que, además, encuentras un  background interesantísimo, descubriendo que, en todos los casos, estas personas eran muy especiales y, curiosamente, muchas de ellas relacionadas con la música”. Más allá de eso, para el artista, el modelo es como un  actor. “Un vehículo que uso para transmitir algo al espectador. Establezco con la gente que ve mis cuadros la misma relación que un director de cine tiene con el espectador. Es el modelo (actor) quien transmite la emoción”, nos cuenta.

El pintor nacido en 1965 en Sevilla (España) circula por galerías desde comienzos de los años 90, desarrollando una rara conjunción entre figuración, surrealismo, minimalismo y abstracción. Así, ha logrado seducir a distintos públicos y —con la serie “Rojo”— un éxito rotundo.  
Los años 2000 han sido de decisiva inserción internacional, transitando por espacios tan prestigiosos como ARCO (Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, España), museos americanos como el Fowler Museum de Los Angeles, Luma Museum en Chicago y el Rubin Museum en Nueva York, Janos Gat Gallery, y Armory Show (Nueva York, Estados Unidos), Galerie Rafael Vostell, DNA Gallery, Art Cologne, Modern ‘06 en Munich y Art Forum en Berlín (Alemania), Arte Lisboa (Portugal), Moscow International Art Fair (Rusia), Kiaf en Seúl (Korea), Art Rotterdam y Pan Art Fair de Ámsterdam (Holanda), Toronto International Art Fair (Canadá), Scope London (Inglaterra), Fondation pour l’innovation Politique (París, Francia), entre muchos otros. Además, en la última edición de Palm Beach, Miami, su obra sobrepasó los 30 mil dólares, teniendo ya fechadas para este año nueve exposiciones en distintas salas y encuentros del mundo.

Cuando aún afina los detalles para otros proyectos en España, Estados Unidos y Alemania, Salustiano espera aterrizar también en Latinoamérica e incluso Chile: “Tanto en la feria de Miami Beach como en  Palm Beach, muchas galerías se mostraron interesadas en mostrar mi trabajo ahí. Tengo muchos compromisos. Pero mi equipo y yo estudiaremos todas las propuestas. Entre ellas, hay una muy interesante de la galerista Ana María Matthei. Me encanta Latinoamérica. Exponer allí es mi asignatura pendiente”.

 

La frustración de Sharon Stone

La llegada de su pintura es indiscutible. Vaya aquí otro gran ejemplo: el autor participa en “The missing peace, artist consider the Dalai Lama”, una exposición que reúne a autores tan destacados como Bill Viola, Anish Kapoor, Marina Abramovic, Christo, Richard Avedon y Sebastiao Salgado, y que —desde 2006— recorre varias ciudades del mundo, considerando para esta temporada Sydney, Berlín, París, Praga, Tokio, Toronto, Varsovia y Miami, entre varias más. La muestra fue convocada por dos entidades que tienen por objetivo proteger la identidad cultural y religiosa del pueblo tibetano: la Fundación Dalai Lama y el Comité C100 One Hundred for Tibet, organización formada por varios premios Nobel, presidentes de Estado, artistas e intelectuales.

Bueno, dentro de todo este panorama, la obra de Salustiano “Reencarnación”, fue elegida imagen emblemática de la muestra, figurando como portada del catálogo, en el afiche y las invitaciones. El retrato corresponde a una niña china que observa con perturbadora dulzura al espectador, ocultando dos particulares historias: la del pintor, que elucubra sobre la reencarnación del Dalai Lama en una pequeña nacida en el país invasor del Tíbet; y la de la niña, víctima de la política de planificación familiar china y de una cultura que discrimina el nacimiento de mujeres, lo que obligó a sus padres a abandonarla en un orfanato a la espera de ser adoptada por una familia occidental.

En Los Ángeles (Estados Unidos), mientras se inauguraba la exhibición, la actriz Sharon Stone estuvo sentada en el suelo contemplando el cuadro durante diez minutos. Obviamente, quiso adquirirlo. Sin embargo, la obra había sido la primera del grupo en venderse, pasando a engrosar los fondos de una campaña destinada a cubrir necesidades básicas del pueblo tibetano.

Tras la frustración de la popular estrella de cine surgió la idea de que Salustiano le hiciera un retrato. “El cuadro que tengo pensado será muy Holbein (pintor alemán del Renacimiento). Sereno y potente. Mirando al espectador vestida de rojo…”, dice el artista que en noviembre, cuando viaje a California para realizar dos exposiciones, aprovechará de realizar la sesión de fotos con la actriz.

Pero la estrella de cine no ha sido la única famosa retratada. Al momento de la entrevista, llevaba seis meses en un cuadro grande donde la modelo ha sido Tamara Rojo, la primera bailarina del  Royal Ballet del Covent Garden de Londres. “Es un lujo tener modelos tan llenas de magia e irrealidad”, comenta el pintor.

“¿¡Arreglar el mundo!?”

Salustiano García Cruz está casado con otra gran artista visual, Ángela Lergo; y, como apelativo artístico, solo usa su nombre, sin apellidos. Es como si se sacudiera de lo accesorio y se quedara con un puro concepto, más inmediato, pero al mismo tiempo más perdurable y sugerente. Tal como en su pintura: “Nunca he estado interesado por ‘el tema’, no hay discurso narrativo detrás de mi obra. Mis cuadros son imágenes que no pretenden contar ‘algo’, sino provocar una serie de sensaciones en el espectador. O ni siquiera eso, porque una sensación puede ser demasiado evidente y pasajera. Yo busco algo más primitivo, más adentro, más sutil y duradero. Busco causarle un determinado estado en el alma al que los contempla. Es un trabajo intelectual, muy calculado, pero siempre persiguiendo una finalidad emocional. En ese sentido, mi pintura trabaja como la pintura abstracta o la música”.

¿Cómo es eso de provocar un estado del alma?
No es un plan cerrado, depende de la relación entre el modelo y el espectador. Pero, hasta donde llega mi mano, intento primero zarandear, y luego alcanzar un estado de sosiego. Zarandear, porque si no consigo que te estremezcas mínimamente ante uno de mis cuadros, es que no he llegado a alcanzarte hasta la planta en la que tienes escondida la emoción, que es a donde yo me dirijo como un misil. Pero después de ese traqueteo inicial que te desarma, lo que quiero es transmitirte una intuición de serenidad, un estado de calma. A fin de cuentas, mi intención es infinitamente benéfica, me muevo en el ámbito de lo espiritual.

Desde los inicios hasta la serie “Rojo”: ¿Cuál ha sido la evolución de tu obra? ¿Cuáles las estrategias e influencias?
¡Intentaré resumir! Los primeros trabajos de adulto expuestos fueron instalaciones donde colaborábamos varios artistas juntos desde distintas disciplinas. Posteriormente, me siento atraído por un expresionismo sintético con cierto toque de humor, que fue mutando hacia un expresionismo neoclásico, si es que esto es posible. Más tarde, abandono la pincelada suelta y las texturas por una superficie perfectamente esmaltada y por cuadros con elementos descontextualizados, oníricos, cercanos al surrealismo, pero también con mucho sentido del humor. Después de esta etapa surrealista-barroca, empiezo otra completamente distinta, cuadros minimalistas de figuras blancas sobre fondos blancos.

En 1992 viajo a Italia. El contacto con el Renacimiento italiano hace que me replantee de nuevo mi carrera artística, interesándome principalmente la composición matemática de los cuadros y cómo estaba puesta la pintura en el lienzo, sin esfuerzo aparente. A mi regreso a España mi intención estaba definida: provocar emociones semejantes a las que yo había sentido al contemplar aquellas obras de arte. Entonces, empiezo con los fondos rojos, con la representación de la figura humana y con el espacio vacío. Los referentes contemporáneos fueron  Matisse, Hockney, Bacon y Otto Dix.

¿Cómo te enfrentas a la tela en blanco?
Con una autocensura. En la antigüedad, el artista era una persona atada de pies y manos: tenía normas estrictas sobre la manera de representar los diferentes personajes, sobre todo en temas religiosos. Incluso se hacía un contrato en el que se detallaba la cantidad exacta a utilizar de determinados pigmentos especiales como el lapislázuli, el cinabrio o el púrpura. Así se han realizado algunas de las obras de arte que yo admiro. Y ese método me parece el correcto por lo que tiene de contención, de no decir todo lo que uno sabe, de renuncia. Ahí estoy yo de manera voluntaria. Ahora que en el arte triunfa el “todo vale”, decidí ser yo quien se impusiera los límites. Límites estrictos. Fundamentalmente un fondo rojo, una figura y espacio.

Una vieja pregunta: ¿por qué pintura y no fotografía?
No lo sé, creo que no sabría conseguir con la fotografía lo mismo que consigo con la pintura.

¿Por qué el color rojo?
Porque está lleno de connotaciones e intenciones. Del latín coloratus (colorare, colorar, dar color), es el color por excelencia. El rojo tiene el poder de trascender a su propia condición de color. Es más que un color, es un símbolo que provoca sentimientos de belleza, de absoluto, de ausencia de tiempo, de sosiego, siendo a la vez la expresión de la fuerza, el color de la sangre, de la religión y de los elegidos.

Cuando me decido a usar el rojo como norma para fondos de mis cuadros son muchos los factores que influyen, pero uno de los que más cuenta fue ver la Basílica de San Marcos de Venecia. Quedé subyugado por el color de sus cúpulas: ¡Eran teselas de oro! Este color era usado como metáfora de la morada de Dios. Tanta ingenuidad e intención me parecieron geniales. Lo mismo pasa con el rojo de mis cuadros, que en realidad es una metáfora del cielo, de lo trascendente.

Veo en tu trabajo una confluencia de distintos contextos, algo que podría insertarse en el multiculturalismo actual, cruces de rasgos, de vestimentas y también de lenguajes, ya que están la pintura, la fotografía, el arte y la publicidad. ¿Así te relacionas con la realidad contemporánea?
Creo que lo mejor de vivir en el momento actual es lo accesible que está cualquier información, ya sea del pasado o de lo que se está haciendo en cualquier parte del mundo. No hay fronteras para la información y no debe haber fronteras tampoco para el arte. El artista debe ser permeable a todo lo que le rodea en cualquiera de los ámbitos de la vida, ya sea la ciencia, la publicidad, la cultura, la política…

La belleza, la perfección académica, la composición minimalista, ¿no suman acaso un tono comercial y restan efectividad al mensaje? ¿Por qué la belleza en tiempos de saturación de imágenes y de la necesidad de un arte crítico? 
¿Realmente necesitamos un arte crítico? Nunca he creído en el arte-panfleto. En cambio, pienso que estamos escasos de mensajes bellos a nuestro alrededor. Saturados de todo tipo de estímulos visuales, el artista crea imágenes de impacto muchas veces sólo para llamar la atención del espectador. Pero en una pared donde todos gritan a veces lo único que queremos es oír a alguien que nos susurra.

Exposiciones y ferias de arte están llenas de sangre y escenas de violencia. ¿Es esto una crítica a la violencia? No creo. ¿Una persona después de ver a una chica oriental atada y amordazada es más amable? ¿Más buena? ¿Evita esto una guerra? ¿Protege a los niños del tercer mundo de la prostitución?... Me temo que no. Mucho del llamado arte social es superficial y snob.

Por último, a veces se nos pide demasiado a los artistas. ¿¡Arreglar el mundo!? Yo me conformo con embellecer el metro cuadrado de universo que me ha tocado.

 

Interview | Carolina Lara

Salustiano: Red-hot emotion

Beautiful, disturbing and deep. This is the best definition for this Spanish artist’s paintings found in galleries and exhibitions around the world. He makes a U turn on portrait tradition with his images in red where he blends renaissance accuracy and perfection commonly found in advertisement.

With the face of a Chinese girl he met in an orphanage, Salustiano participates in “The Missing Peace: Artists Consider Dalai Lama” an international exhibition that travels around the world with the work of 88 artists in support of the Tibetan people. There, Sharon Stone was stunned by that painting in particular and as she could not buy it, she requested at least to be portrayed by this successful artist.

In an exclusive interview with “Arte Al Límite”, Salustiano recalls his beginnings and tells us how his proposal related to neofiguration has succeeded in capturing a diverse audience not only in Europe but also in Asia and the United States. An exhibition in Chile might become his first visit to Latin America.

Is beauty possible in times of transgression’s apology and critical art? Salustiano believes so.

With paintings that have changed the portrait genre, his approach to the human figure has such academic accuracy only to be found among renaissance painters. He faithfully approaches his models by conducting a thorough study of shapes and employing cleanliness in his drawing and brushstroke. However, characters are out of context. Lonely torsos and visages live within a space where the only boundary is the cut of the canvas and the monochrome emptiness of the background. Bodies appear as if they were in a dream where everything becomes red.

Red: this is the colour he likes giving to his images which embody typical advertising beauty and show within this perfection a deep and bewildered peace. Who would know that many of his models were found on the streets? “People I ask to pose for a portrait are not necessarily beautiful people, I ask them because I have the feeling they might help me in transmitting certain emotions. I am interested in timeless faces, serene, with a generous expression in their mouth and a transparent look. The eyes are very important. They are emotional containers. What I want is for the whole to bear a semblance to eternity”.

This artist’s work starts the minute he takes the picture of the model. Although he usually does not talk much to them, he recognises there exists a special complicity: “they start revealing things and you discover that they are not only beautiful or serene faces, but you also find an extremely interesting background, discovering that in all cases, these people are very special and, curiously, most of them are related to music”. Above all, the model is like an actor to the artist. “A vehicle used to transmit something to the spectator. With the people who observe my paintings I build the same relationship than a film director has with the viewer. It is the model (actor) who transmits the emotion”, he tells us.

Since the beginning of the nineties, the painter -born in 1965 in Seville, Spain- has been touring galleries, developing a strange blend of figuration, surrealism, minimalism and abstraction. In this way, he has seduced different audiences and –with his series “Red”- he has achieved great success.

As of year 2000, he has broken internationally, going around spaces as prestigious as ARCO (International Contemporary Art Fair in Madrid, Spain), Janos Gat Gallery and Armory Show (New York, United States), Rafael Vostell Gallery, Art Fair and Art Forum (Berlin, Germany), Modern ‘06 in Munich (Germany), Arte Lisboa (Portugal), Moscow International Art Fair (Russia), Kiaf in Seoul (Korea), Art Rotterdam and Pan Art Fair in Amsterdam (Holland), Toronto International Art Fair (Canada), Scope London (England) and Fondation pour l’innovation politique (Paris, France), among many others. Also, in the last edition of Palm Beach, Miami, his work went over the 30-thousand -dollar limit, and he already has scheduled 9 exhibitions for this year in different rooms and meetings around the world.

While he is still working on details for other projects in Spain, the United States and Germany, Salustiano expects to also land in Latin America and even in Chile: “At the Art Fairs in Miami Beach and Palm Beach many galleries were interested in showing my work. I have many commitments, but my team and I will be studying all the proposals. Among them, there is a very interesting one from the gallery owner Ana Maria Matthei. I love Latin America, exhibiting there is on my list of things to do”.

Sharon Stone’s Frustration

The scope of his work is undeniable. Here we have another great example: The artist participated in “The Missing Peace: Artists Consider Dalai Lama”, an exhibition that brings remarkable authors together such as Bill Viola, Anish Kapoor, Marina Abramovic, Christo, Richard Avedon and Sebastiao Salgado. Since 2006 it has travelled to many cities.  This season those cities include Sydney, Berlin, Paris, Prague, Tokyo, Toronto, Warsaw and Miami, among many others.  The show was commissioned by two organizations which aim to protect the cultural and religious identities of the Tibetan world: Dalai Lama Foundation and The Committee of 100 for Tibet (C100), an organisation comprised of many Nobel Prize holders, Presidents, artists and intellectual people.

Salustiano’s “Reincarnation” was chosen as the emblematic image of the exhibition.  It was printed on the cover of the catalogue, on posters and on invitations. The portrait corresponds to a Chinese girl observing the viewer with a disturbing sweetness.  She hides two particular stories: one of the painter who reflects on the Dalai Lama’s reincarnation in a little girl born in a country which invaded Tibet; and another from the little girl, a victim of China’s family planning policy and of a culture discriminating against the birth of females, forcing her parents to leave her in an orphanage where she waits to be adopted by a western family.

In Los Angeles (United States), during the opening of this exhibition, actress Sharon Stone was sitting on the floor admiring the painting for ten minutes. She obviously wanted to buy it. However, the work was the first one of the collection to be sold, increasing the funds of a campaign to cover basic needs of Tibetan people.

Noting the popular star’s frustration, it occurred to Salustiano to make a portrait of her. “The painting I have in my mind will be very Holbein (a German Renaissance painter) - serene and powerful. Watching the spectator dressed in red…” the artist states that in November when he travels to California to exhibit in two different places, he will conduct the photo session with the actress.

But Stone is not the only star he portrays. When we did this interview, he had already been working for six months on a large painting with Tamara Rojo, the leading dancer from the Royal Ballet in Covent Garden, London, as his model. “It is magnificent to have such models, full of magic and unreality.” the painter comments.

“Fix the world!?”

Salustiano García Cruz is married to another great visual artist, Angela Lergo.  He uses only his first name as an artistic name, no surname. It is as if he gets rid of the accessories and keeps a pure, more immediate concept, at the same time more durable and suggestive. Just like in a painting: “I have never been interested in the “subject”, there isn’t anything like a narrative discourse behind my work. My paintings are images that do not intend to tell ‘something’, but they intend to provoke different sensations in the viewer. Or not even that, because a sensation can be too obvious and ephemeral. I am looking for something more primitive, deeper inside, more delicate and long-lasting. I intend to cause certain state in the viewer’s soul. It is an intellectual work, very assessed, but always pursuing an emotional goal. In this sense, my painting works like abstract painting or abstract music”.

What do you mean by provoking a state of the soul?
It is not a hermetic plan; it depends on the relationship between the model and the spectator. But as far as my hand reaches, I first try to shake the observer and then to reach a state of calm. Shaking because if I don’t get the slightest shudder from you when seeing my paintings, it means I haven’t been able to reach the plant where your emotions hide, which is where I aim as if I were a missile. But after this initial tremor that crumbles you, what I want is to transmit an intuition of serenity, a state of calm. At the end of the day, my intention is infinitely benevolent, I move myself in the spiritual domain.

From the beginnings of your series “Red”: How has your work evolved? What strategies and influences have developed?
I’ll try making it short! My first exhibited works as a grown up artist were installations where many other artists collaborated from different disciplines. Later on, I felt attracted to a synthetic expressionism with touches of humour that started to turn into a neoclassic expressionism, if that is possible. Later, I abandoned the loose brushstroke and the textures and swapped them for a perfectly polished surface and for paintings with elements out of context, like dreams, close to surrealism, but also with a lot of sense of humour. After this surrealist-baroque stage, I started a totally different one, minimalist painting of white figures on white backgrounds.
In 1992 I travelled to Italy. The contact with Italian Renaissance made me reconsider my artistic career. I was interested mainly in the mathematic composition of paintings and the way the paint was brushed on the canvas, with no apparent effort. When I went back to Spain, my intention was clear: I wanted to produce similar emotions to those I had felt when contemplating those pieces of art. Then I started with the red backgrounds, the human figure representation and the empty space. My contemporary references were Matisse, Hockney, Bacon and Otto Dix.

How do you face the white canvas?
With self censorship. In ancient times, artists had their hands and feet tied: Painters had strict rules about the way of representing different characters, especially in religious matters. Even a contract was made, where the exact amount of certain pigments such as lapis lazuli, cinnabar or purple was indicated. This is the way many of the pieces of art I admire were made. And this method seems right to me, because it has restraint, not saying everything you know, renouncing. I am there voluntarily. Now that the “everything is allowed” philosophy is so successful in art, I decided that I was going to set my own boundaries, strict boundaries. Basically, a red background, a figure and a space.

An old question: why painting and not photography?
I don’t know, I think I would not be able to achieve with photography what I achieve with painting.

Why red?
Because it is full of contradictions and intentions. From Latin coloratus (coloured, to colour), is the colour par excellence. Red has the power of going beyond its own colour condition. It is more than a colour; it is a symbol that provokes feelings of beauty, of absolute, of time absence, and tranquillity. At the same time it is an expression of strength and the colour of blood, religion and the chosen ones.
When I decided to use red as a rule for my paintings’ backgrounds there were many influential factors, but the most important one was seeing San Marcus Basilica in Venice.  I was overwhelmed by the colour and its domes. There were tiles made of gold! That colour was used as a metaphor of God’s dwelling. I thought all that naivety and intention were wonderful. It is the same with red in my paintings, which is a metaphor of the sky; of what is transcendental.

I see in your work a convergence of different contexts, something that could be understood by the current multiculturalism: mixture of features, dressing styles and also languages, since we have painting, photography, art and advertising. Is this the way you get connected with contemporary reality?
I think the best thing about living in this current moment is that information is so easy to get, it does not matter if it is from the past or what is being done elsewhere in the world. There are no boundaries for information and there should be no boundaries for art either. The artist must be permeable to everything that surrounds him in any of the areas of life: science, advertisement, culture and politics…

Beauty, academic perfection, minimalist composition, don’t they have a commercial nuance that diminishes the message’s effectiveness? Why beauty in a time of image saturation and a much needed critical art?
Do we really need a critical art? I have never believed in a demagogic art. Nevertheless, I do think we are short of beautiful messages around us. We are saturated with all kind of visual stimuli.  Many times artists create impacting images only to get the viewer’s attention, but if everybody’s yelling at the wall, sometimes the only thing we want is to hear somebody whispering.

Exhibitions and art fairs are full of blood and images of violence. Is this a criticism of violence? I do not think so. Is a person nicer after observing an oriental girl tied and gagged? Is he or she a better person? Does this avoid war? Does it protect third world children from prostitution? I am afraid it doesn’t. Much of the so called social art is superficial and snobby.

Summing up, people just expect too much from artists. Fix the world?! I am just happy with making more beautiful the square meter I have been given.

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